A partir del 15 de octubre de 2019, el museo presenta una exposición que ofrece una reflexión crítica sobre las afinidades y las influencias mutuas entre la fotografía y la pintura.
Después de la aparición de los primeros daguerrotipos de finales de la década de 1830 y, sobre todo, después del descubrimiento subsiguiente de la impresión fotográfica en papel, la relación entre fotografía y pintura se volvió extremadamente estrecha. El ojo artificial de la cámara de fotógrafos como Le Gray, Cuvelier, Nadar o Disderi, por citar a unos cuantos, estimuló en Manet, Degas y en los jóvenes impresionistas el desarrollo de una nueva forma de ver el mundo. El impresionismo usó la fotografía no solo como fuente iconográfica, sino también como inspiración técnica, tanto en la observación científica de la luz o en la representación de un espacio asimétrico y truncado como en la exploración de la espontaneidad y la ambigüedad visual. Además, el nuevo tipo de pincelada impresionista llevó a algunos fotógrafos a interesarse por la materialidad de sus imágenes y a buscar métodos para hacer que sus fotografías fueran menos precisas y con un efecto más pictórico.
La posición clave que ahora ocupa la fotografía en el contexto del arte contemporáneo ha alentado un renovado interés en los estudios de arte histórico con respecto al impacto de su invención en las artes visuales. La exposición «Los impresionistas y la fotografía», presentada en el museo, en 2019, sigue esta línea de investigación. Ofrece una reflexión crítica sobre las afinidades e influencias mutuas entre la fotografía y la pintura, sin olvidar la polémica que desencadenó su aparición entre los críticos y artistas franceses en la segunda mitad del siglo XIX.
Comisariada por Paloma Alarcó, la exposición se divide en nueve secciones temáticas: El bosque, Figuras en el paisaje, El agua, En el campo, Los monumentos, La ciudad, El retrato, El cuerpo y El archivo, que en conjunto revelan las inquietudes artísticas compartidas por pintores y fotógrafos.